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Si hacemos un repaso a través de la historia de la humanidad, podemos comprender las distintas etapas de este arte y su influencia en otras artes.
La historia del arte, del que el diseño gráfico es hoy una parte, y especialmente, de los colores y su significado, si es que podemos afirmar que lo tengan.
Es una disciplina que está íntimamente relacionada con las características culturales y religiosas de las diversas sociedades y civilizaciones del pasado.
Conocer las raíces de este fascinante mundo de formas y color, puede ser sumamente útil si deseamos diseñar adecuadamente nuestra imagen de marca, para dotarla de una personalidad acorde a los servicios que vamos a prestar.
¿Quieres saber cómo ha sido el camino recorrido por este arte milenario? Aquí te lo contamos en detalle desde Galerna Estudio – Diseño Gráfico Gijón.
La historia del diseño gráfico
Sería muy difícil precisar el tiempo exacto en que surgió el diseño gráfico, porque, en verdad, representa uno de los compañeros inseparables de la evolución humana.
La importancia del color en la Prehistoria
En sus inicios, los humanos empleaban pigmentos naturales como el ocre rojo y el negro para plasmar sus creaciones en cuevas.
Cuando las palabras aún no se habían grabado en piedra, el color ya era un lenguaje poderoso.
Mucho antes de la escritura, nuestros ancestros prehistóricos utilizaban los colores para plasmar su mundo, sus creencias y su identidad.
Las cuevas, como lienzos ancestrales, se llenaron de vibrantes figuras.
Ocre rojo, negro intenso, amarillo solar y verde esmeralda danzaban en las paredes, contando historias de cacerías, rituales y la conexión profunda con la naturaleza.
Los petroglifos, grabados en la piedra con la fuerza del tiempo, también se teñían de simbolismo, utilizando el color para conectar con lo divino, lo terrenal y lo mágico.
Más allá de la estética, el color tenía un rol práctico. Pigmentos minerales, cuidadosamente extraídos y procesados, adornaban cuerpos, herramientas y espacios habitables.
Un lenguaje cromático que definía grupos, expresaba individualidad y protegía del mundo desconocido.
El color era también un puente hacia lo intangible. Se asociaba con los ciclos de la naturaleza, la fertilidad de la tierra, la fuerza de la caza y los misterios del cosmos.
Rojo como la sangre que daba vida, verde como la tierra que brotaba, azul como el cielo infinito. Cada tono, un símbolo, un canto a la vida y sus misterios.
Aunque descifrar el significado exacto del color en la Prehistoria es un enigma fascinante, su omnipresencia en el arte y la vida cotidiana nos habla de una sociedad profundamente conectada con la naturaleza.
Un lenguaje visual que nos invita a viajar en el tiempo, a comprender las raíces de la cultura humana y a celebrar la magia del color, una herramienta ancestral que aún hoy nos emociona, inspira y conecta.
Si tuviéramos que decantarnos por una época específica, tendríamos que remontarnos a 20 mil años a.C. En aquel tiempo lejano del que datan las pinturas rupestres.
Los diseños elaborados sobre las paredes de las cuevas representaban actividades y formas de vida, que nos han servido para intuir cómo vivían aquellas primeras sociedades.
Desde ese punto, podríamos seguir avanzando a través de la historia de la humanidad, atravesando distintas etapas donde la imagen fue ocupando un lugar cada vez más relevante.
El color en la Antigüedad
En las antiguas civilizaciones de Grecia y Roma, el color no solo era un adorno, sino un idioma con significado profundo. Para griegos y romanos, los colores estaban entrelazados con la religión, la filosofía, la política, la medicina y la vida diaria.
Para los griegos:
- El blanco representaba pureza, luz y lo divino, asociado con los dioses, sacerdotisas y templos.
- El negro simbolizaba muerte, luto e inframundo, utilizado en atuendos de duelo y decoración de tumbas.
- El rojo evocaba sangre, guerra y pasión, vinculado a Ares, dios de la guerra, y Afrodita, diosa del amor.
- El azul representaba cielo, mar y sabiduría, asociado a Zeus, rey de los dioses, y Atenea, diosa de la sabiduría.
- El verde simbolizaba naturaleza, fertilidad y esperanza, vinculado a Deméter, diosa de la agricultura, y Dionisio, dios del vino.
Para los romanos:
- El blanco destacaba en la toga, vestimenta oficial, también asociado con victoria y pureza.
- El negro expresaba luto y muerte, presente en vestimenta de duelo y ceremonias funerarias.
- El rojo simbolizaba poder, guerra y victoria, vinculado a Marte, dios de la guerra, y Rómulo, fundador de Roma.
- El azul representaba cielo, mar y fidelidad, asociado a Júpiter, rey de los dioses, y Juno, reina de los dioses.
- El verde evocaba naturaleza, primavera y abundancia, relacionado con Ceres, diosa de la agricultura, y Flora, diosa de las flores.
Los antiguos egipcios desplegaban una rica paleta de colores, incluyendo azul, verde, amarillo y rojo, en sus pinturas y esculturas.
En la antigua Grecia, también se usaba una amplia gama cromática, mientras que se desarrollaban teorías sobre la armonía del color.
En el Antiguo Egipto, por ejemplo, encontramos el elaborado sistema de escritura iconográfica: los jeroglíficos. Una serie de símbolos gráficos que representaban sonidos y fonemas.
En China, el amarillo tiene una significación religiosa y continúa siendo el color imperial hasta el día de hoy.
En Grecia y Roma, se creía que el rojo poseía poderes protectores, mientras que el morado estaba reservado para la nobleza.
Los egipcios adornaban las tumbas y templos con colores brillantes como el azul, mandarina y verde.
El color en la Edad Media (siglo V – XV)
Entre los siglos V y XV, la pintura medieval se caracterizó por una profunda influencia del cristianismo.
Sus obras se centraban principalmente en la representación de temas religiosos, transmitiendo valores y creencias de la época.
En la Edad Media aparecen los primeros textos adornados con imágenes y decoraciones, acompañando textos de corte religioso. Surgirían especialidades y oficios específicos.
Los copistas, tipógrafos y cajistas, alcanzarían cierta relevancia, consiguiendo darle a las artes gráficas y a la escritura un lugar fundamental en el desarrollo de las sociedades.
Durante la Europa medieval, el color se destinaba principalmente a simbolismo religioso.
El azul se vinculaba con el cielo y la realeza, el rojo se asociaba con la sangre y el fuego, el verde se relacionaba con la naturaleza y la vida.
Algunas de las características principales de la pintura medieval:
- Temática Religiosa: La representación de escenas bíblicas, vidas de santos, vírgenes y figuras sagradas era predominante.
- Simbolismo: Los colores, objetos y formas tenían significados específicos más allá de lo literal.
- Falta de Perspectiva: Las figuras se representaban en un mismo plano, sin considerar la profundidad.
- Bidimensionalidad: Las figuras se percibían planas, sin volumen ni realismo anatómico.
- Hieratismo: Las figuras se caracterizaban por su rigidez y solemnidad, con expresiones serias y poco movimiento.
- Uso del Oro: El pan de oro se utilizaba para destacar elementos importantes de la composición, como los halos de santidad o los fondos.
- Función Didáctica: La pintura tenía una función educativa, transmitiendo historias y valores religiosos a una población mayoritariamente analfabeta.
Los principales ejemplos de estilos dentro de la pintura medieval se podrían resumir en:
- Arte Paleocristiano: Desarrollado en los primeros siglos de la era cristiana, con el uso de símbolos y falta de realismo.
- Arte Bizantino: Caracterizado por mosaicos y frescos, desarrollado en el Imperio Bizantino.
- Arte Románico: Desarrollado en Europa occidental durante los siglos XI y XII, con colores vivos y formas gruesas.
- Arte Gótico: Desarrollado en Europa occidental durante los siglos XIII al XV, con mayor naturalismo, perspectiva y uso de la luz.
Edad Moderna. Renacimiento y Barroco (siglo XV – XVII)
El Renacimiento marcó un resurgimiento del interés en el arte y la ciencia. Los artistas comenzaron a experimentar con nuevos colores y técnicas.
Leonardo da Vinci fue pionero en el uso de la perspectiva aérea, creando la ilusión de profundidad mediante tonalidades más frías y suaves en el fondo.
La invención de la imprenta (en 1440) sería de vital importancia para el fomento del trabajo gráfico y la investigación de materiales que colaboraran con la evolución del diseño gráfico.
Durante el Renacimiento italiano, los colores predominantes eran el rojo, verde, dorado y azul vibrante.
En el período rococó, los gustos se volvieron más femeninos y los colores menos vibrantes.
En su afán por encontrar un tono particular de verde para una de sus obras maestras, Leonardo se aventuró por los campos, escudriñando cada planta y mineral que se cruzaba en su camino.
Un día, su mirada se posó sobre una rara variedad de líquenes que emanaban un color verde único, vibrante y luminoso.
Fascinado por esta tonalidad, Leonardo no dudó en dedicar días a la meticulosa tarea de extraer el pigmento de los líquenes.
Su meticulosa experimentación finalmente dio frutos. Leonardo logró obtener un verde excepcionalmente intenso, que plasmó en su obra maestra, impregnándola de una vida y un realismo sin precedentes.
Esta anécdota ejemplifica la pasión de Leonardo por el arte, su espíritu innovador y su incansable búsqueda de la belleza en cada rincón del mundo natural.
El Renacimiento y su pintura se caracterizó por:
Retorno a la Antigüedad: Se inspira en el arte griego y romano, buscando la belleza ideal y la armonía en las proporciones.
- Inspiración en el arte griego y romano: Se busca la belleza ideal y la armonía en las proporciones, retomando los principios estéticos de estas antiguas civilizaciones.
- Realismo: Se persigue la representación fiel de la realidad, con un énfasis en el detalle y la precisión.
- Perspectiva: Se emplea la perspectiva para crear una sensación de profundidad en las composiciones pictóricas.
- Anatomía: Se estudia detenidamente la anatomía humana para lograr representaciones precisas del cuerpo humano.
- Uso de luz y sombra: La luz y la sombra se emplean para modelar y crear sensación de volumen en las obras.
- Variedad temática: Se abordan temas diversos, incluyendo lo religioso, lo mitológico, retratos y paisajes.
- Armonía y proporción: Se busca la armonía y equilibrio en las formas y los espacios diseñados.
- Utilización de elementos clásicos: Se incorporan elementos clásicos como columnas, frontones y arcos para evocar la grandeza de la Antigüedad.
- Claridad y orden: La composición se caracteriza por su claridad y organización, reflejando un orden armónico.
- Empleo de materiales nobles: Se privilegian materiales de alta calidad como el mármol, la piedra y la madera en la construcción y decoración.
Ejemplos de artistas del Renacimiento fueron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Botticelli, Tiziano, Brunelleschi, Alberti, Bramante y Palladio.
El Renacimiento fue un periodo de extraordinaria creatividad e innovación en la pintura y el diseño. Los artistas renacentistas aspiraban a crear obras que fueran bellas, realistas y armoniosas.
Su legado sigue siendo admirado en la actualidad por su belleza estética, destreza técnica y por representar un hito fundamental en la historia del arte.
El Barroco fue una época de gran exuberancia y ornamentación en el arte. Los colores se usaban de manera llamativa y dramática.
Caravaggio destacó en el Barroco, empleando el claroscuro para generar un efecto de alto contraste en sus obras.
El Barroco se destacó por su extraordinaria creatividad e innovación tanto en la pintura como en el diseño.
Los artistas barrocos se esforzaron por concebir obras que cautivaran, con un impacto dramático y una atracción emocional inigualable.
Hasta nuestros días, su labor continúa siendo objeto de admiración por su belleza, su poderoso efecto y su maestría técnica incomparable.
El Barroco y su pintura se caracterizó por:
- Movimiento y dinamismo: Las composiciones se caracterizan por su complejidad y dinamismo. Las figuras suelen adoptar poses dramáticas y gestos exagerados.
- Luz y sombra: Se emplea un marcado contraste entre luces y sombras para generar una sensación de drama y tensión.
- Colorido intenso: Se utilizan colores vibrantes y contrastantes para provocar efectos emocionales.
- Temáticas religiosas, mitológicas y alegóricas: La pintura barroca frecuentemente representa temas religiosos, mitológicos y alegóricos.
- Realismo: Se busca representar la realidad de manera naturalista, con un alto grado de detalle y precisión.
- Perspectiva: La perspectiva se emplea para crear una sensación de profundidad en las obras.
Diseño:
- Formas, curvas y ornamentación: Las formas curvas, espirales y motivos vegetales predominan en el diseño barroco, acompañados de una ornamentación abundante y recargada.
- Grandes Eespacios y teatralidad: Se persigue la creación de espacios grandiosos y espectaculares, donde se juega con efectos de luz y color para resaltar la teatralidad.
- Materiales lujosos: Se emplean materiales de lujo como el mármol, el oro y la plata para realzar la opulencia y el esplendor.
- Fusión de las artes: Se busca integrar las diversas formas artísticas, como la arquitectura, la pintura y la escultura, en una armoniosa unidad.
Ejemplos de artistas barrocos fueron Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Zurbarán, Bernini, Borromini y Guarini.
Edad Contemporánea. La revolución industrial y la litografía (Siglo XVIII)
Pero seguramente, el gran salto del diseño gráfico fue en el siglo XVIII, durante la Revolución Industrial.
Durante este período surgió toda una industria mecanizada que sirvió para sembrar los rudimentos de las artes gráficas.
El éxodo rural trajo como consecuencia la gran concentración de personas en las ciudades.
Esta masificación provocada por la creación de puestos de trabajo para el manejo de la maquinaria industrial dio origen a un nuevo tipo de ciudadano: el consumidor.
El resultado de todos estos cambios fue el surgimiento de la técnica publicitaria y la propaganda política, que marcarían un antes y un después para el diseño gráfico.
La necesidad de elaborar técnicas de convencimiento que ayudaran a mejorar las ventas, motivó el surgimiento de profesiones capaces de manejar los elementos visuales con este objetivo.
Profesionales que pudieran trabajar con las formas, textos, tipos de letras y colores de una forma ordenada y convincente, para ofrecer un mensaje claro y fuerte.
En la Inglaterra del siglo XVIII por ejemplo, los colores ricos reflejaban una fuerte influencia china.
Década de 1890: Modernismo o El Art Nouveau
El siglo XIX presenció el surgimiento de nuevos pigmentos sintéticos. Los artistas exploraron nuevas gamas cromáticas y estilos. Claude Monet, precursor del impresionismo, usaba pinceladas sueltas y colores vibrantes.
Entre los siglos XIX y XX el diseño gráfico continuó evolucionando. Este período, conocido como Belle Epoque o Art Nouveau, se destacó por la multidisciplinariedad.
En la época victoriana, hubo una gran diversidad conocida por su abundancia. Los colores predominantes eran rojos, verdes, marrones y malvas apagados.
A principios del siglo XX, los colores eran predominantemente monocromáticos, con fuertes contrastes de negro, gris, plata, marrón, beige y blanco.
Los artistas gráficos comenzaron a trabajar con elementos traídos de disciplinas más técnicas, como la arquitectura, trabajando así con diseños geométricos y angulares.
Algunos artistas destacados de esta época son Charles Rennie Mackintosh (quien trabajó con tejidos estampados que influirían notablemente en el art déco) y Peter Behrens (a quien se considera uno de los creadores del logo).
1903: Wiener Werkstätte
A principios del siglo XX surgió la agrupación Wiener Wekstätte, fundada por Josef Hoffmann y Koloman Moser.
El gran aporte de este movimiento al diseño gráfico fue la combinación de técnicas y materiales.
Carpintería, curtiduría, encuadernación y metalurgia son algunas de las profesiones que tuvieron relevancia en aquel contexto.
Los integrantes de la agrupación Wiener Wekstätte defendían el ideal de la Grasamtkuntwer (la multidisciplinariedad de las seis artes, acuñada por Wagner) e influyeron notablemente en muchas artes.
1919: Bauhaus
En la década de 1920, los interiores completamente blancos se volvieron populares, seguidos por colores pastel con acentos brillantes.
En la década de 1950, los colores claros eran preferidos, mientras que en la década de 1990, se utilizaron tonos como el oro real, azul y rojo.
Tan solo una década más tarde surgiría la Escuela de Bauhaus, fundamental para comprender la evolución del diseño gráfico.
Tomando el ideal de la Grasamtkuntwer, esta escuela reunió a escultores, pintores, arquitectos y artistas de todas las disciplinas, para componer un movimiento que valorara el trabajo especializado sin distinguir entre oficios.
Uno de los principales valores de esta escuela era dejar atrás esa idea de elitismo vinculada a los oficios. Promovía la profesionalización de todas las personas, independientemente de la clase social a la que pertenecieran.
Cabe mencionar que, el gran lema de esta escuela era: «la forma sigue a la función»; lo cual significa que la forma y la estética deben ir de la mano y toda obra de arte debe tener un objetivo funcional.
1947: Los logotipos corporativos de Paul Rand
En torno a la década del cincuenta el mundo conoció a Paul Rand, a quien se denomina cariñosamente «papá logo». Se lo considera uno de los grandes diseñadores de la historia.
El trabajo de Rand fue rotundamente importante para la consolidación del diseño gráfico. Principalmente, se le reconoce el haber conseguido combinar formas geométricas y tipografías con espacios en blanco.
Podría decirse que Paul Rand sentó las bases para el diseño de logotipos corporativos, que supondría una novedosa ampliación de las fronteras del diseño artístico.
Son muchas las marcas que han sido tocadas por la mano precisa y visionaria de Rand: IBM, Abc y UPS, entre muchas otras. Además, en la actualidad, Rand cuenta con una gran cantidad de seguidores, que apoyan ese tipo de diseño, efectivo y contundente.
Década de 1970: Posmodernismo
Durante los años 60 y 70 tuvieron lugar muchísimos cambios en el mundo: el surgimiento de un nuevo mapa de países, los numerosos avances tecnológicos y ciertos movimientos sociales dirigirían el destino de la sociedad.
La guerra de Vietnam, el surgimiento de los hippies y los beatniks en Estados Unidos, el nuevo mapa de países en Europa y el surgimiento de las telecomunicaciones (principalmente la televisión como medio masivo de comunicación) colaborarían con notables avances para el diseño gráfico.
De hecho, podríamos decir que en esta época se ubica el período dorado de la publicidad.
El expresionismo gráfico fue decisivo para el diseño, al combinar forma y lenguaje de una forma nueva y revolucionaria.
El avance de disciplinas como la fotografía y la infografía, asimismo, colaboraron con la diversidad y la especialidad en el diseño gráfico: creando una forma de expresividad totalmente nueva para este arte.
Década de 1990: Las herramientas digitales
Desde los años ochenta y ya bien entrados los noventa, el diseño gráfico vivió una nueva revolución.
La llegada de los ordenadores personales y la aparición de programas informáticos específicos para el trabajo de los diseñadores posibilitaron una especialización y un desarrollo inusitado para la disciplina.
La sociedad de consumo y la necesidad de crear técnicas de persuasión adaptadas para nuestros días, potenciaron e inspiraron el trabajo de los artistas y la especialización de la publicidad.
Orígenes de algunas colores y anécdotas
Cúrcuma, India, c. 3000 a.C
Utilizada para teñir las túnicas usadas por las novias hindúes, la raíz molida de la planta de cúrcuma a menudo también se agregaba como tinte superpuesto para crear verde.
Malaquita. Egipto, 2500 a.C
Este carbonato de cobre básico se molía y mezclaba con resina o grasa antes de aplicarlo en los párpados. Más tarde fue reemplazado por kohl, un producto utilizado para resaltar y definir los ojos.
Azul egipcio- Egipto, 2500 a.C
Este tinte, elaborado calentando sílice, malaquita y carbonato de calcio, se utiliza en papiro y cerámica. El conocimiento del proceso se pierde hasta el siglo XX.
Galena. Egipto, 1900 a.C
Este mineral metálico de color gris oscuro, a veces mezclado con malaquita, se utilizaba para hacer delineador de ojos. Llamado sdm por los egipcios, se le conoce comúnmente por su nombre árabe, kohl.
Púrpura de Tiro, c. 1200 a.C
Derivado de las secreciones de los caracoles marinos, este tinte requería 8.500 caracoles por gramo; Utilizado en la vestimenta de los emperadores y senadores romanos. El caracol quedo casi extinto en el año 400.
Verdigris. Grecia, c. 300 a. C
Teofrasto menciona una pátina verde que se puede raspar del cobre y convertirla en un pigmento; también se puede obtener remojando cobre en vinagre o vino.
Madder, Roma, c. 50
Conocida en latín como rubia, la raíz de la planta de rubia se utilizaba para teñir las túnicas de los soldados de infantería y las capas de los oficiales romanos.
Woad. Gran Bretaña, c. 55 d.C
Una fuente común de tinte azul en la antigüedad; Julio César describe cómo «los británicos se manchan con glasto… con el que asumen un aspecto horrible en la batalla«.
Plomo blanco. Japón, 700
Se creaba exponiendo láminas de plomo a vinagre y fermentación de estiércol de caballo y era utilizado por la élite japonesa como polvo facial.
Orchill, Florencia, c. 1300
Activado con amoníaco, como el de la orina, este liquen se secaba y se molía. En al república de Florencia, el tinte comenzó a ganar popularidad para el color.
Cochineal, Tenochtitlán, 1450
Las cochinillas secas se entregan como tributo a Moctezuma I y se utilizan para teñir; utilizado para colorear los uniformes de casacas rojas británicas hasta el siglo XX.
Ocre rojo, Terranova, 1497
La expedición de Giovanni Caboto se encuentró con los Beothuk en Terranova, quienes pintaban sus cuerpos con este pigmento natural, una práctica que llevó a los europeos a adoptar el término «indios rojos».
Azul de Prusia. Berlín, c. 1705
Creado a partir de potasa, grasa y sulfato de hierro, más tarde se demostró que este tinte contiene el compuesto ácido prúsico, también conocido como cianuro en honor al griego kyanos, para el azul oscuro.
Verde de Scheele Suecia, 1775
El arsenito de cobre de Carl Wilhelm Scheele se utiliza en papel, tapiz y ropa, a pesar de su toxicidad; encontrado en la casa de Napoleón en Santa Elena, posiblemente causando su muerte.
Cadmio amarillo, Alemania, 1817
El sulfuro de cadmio industrial, un residuo del carbonato de zinc, era buscado por los pintores y costabaa 100 francos el kg. En 1883 la pintura de color amarillo cromo pasó a costar 8 francos.
Azul Tiffany. Nueva York, 1845
También conocido como azul huevo de petirrojo, Charles Lewis Tiffany elige este color para el primer catálogo de su tienda; Posteriormente se registró como marca registrada para su uso en sus exclusivas cajas azules.
Malva, Londres, 1856
El químico británico William Henry Perkin descubrió la malva mientras intentaba producir quinina a partir de carbón. Este color se adhería firmemente a la seda y el algodón. Al conseguir una patente, se jubiló siendo millonario a los 30 años.
Nantucket rojo, Nantucket, 1950
Tono utilizado en la ropa diseñada y vendida por Murray’s Toggery Shop; se «garantiza que el color se desvanecerá«, afirmaban, a un rojo pálido después del lavado.
Mountbatten rosa, Reino Unido, c. 1940
Preocupado por que sus destructores fueran visibles para los submarinos al amanecer y al anochecer, el capitán Louis Mountbatten creó una pintura de camuflaje que combinaba azul marino, rosa y gris claro.
INT’L. Klein bluw. París, 1960
El artista Yves Klein desarrolló una pintura que conservaba la calidad luminosa del ultramarino sintético seco, mezclándola con una resina transparente.
El presente del diseño gráfico
A partir del año 2000 y hasta el presente, el diseño gráfico se volvió fundamental para el desarrollo de las marcas.
Actualmente, la combinación de técnicas artísticas con programas y servicios informáticos es fundamental en el diseño gráfico, porque puede llevar al desarrollo de una marca exitosa.
Los diseñadores gráficos del presente manejan un trabajo donde se destaca el uso de mensajes contundentes acompañados de formas y colores que tiendan al minimalismo.
Lo visual ocupa un lugar de jerarquía, y se prefiere la elección del lenguaje escrito solo cuando es estrictamente necesario.
Si deseamos que nuestra marca tenga cierta relevancia, es conveniente tener en cuenta el camino y las tendencias en el diseño gráfico, para desarrollar un logo lo más convincente y representativo posible.
El futuro del diseño gráfico
La generación de nuevos colores es un campo continuo de exploración y desarrollo en diversos campos, como la tecnología, la ciencia de los materiales, la moda, el diseño y el arte.
Aunque el espectro de colores perceptibles por el ojo humano es finito, hay varias formas en las que se pueden generar nuevos colores o variaciones de colores existentes.
Algunos ejemplos incluyen:
- Nanotecnología y materiales avanzados
Los científicos están desarrollando materiales nanoestructurados que pueden producir colores brillantes y vivos mediante la manipulación de la luz a escalas nanométricas. Estos materiales, como las nanopartículas metálicas y los polímeros nanoestructurados, pueden ofrecer colores altamente saturados y únicos que no se encuentran en la naturaleza. - Química de los pigmentos
Los químicos continúan investigando y desarrollando nuevos pigmentos sintéticos que amplíen la gama de colores disponibles para su uso en pinturas, tintas, plásticos y otros materiales. Estos pigmentos pueden ser diseñados para ofrecer propiedades específicas, como resistencia a la decoloración o a la luz UV. - Tecnología de pantalla
Con el avance de la tecnología de visualización, se están desarrollando pantallas con una gama más amplia de colores y una mayor precisión en la reproducción del color. Por ejemplo, las pantallas OLED (diodos orgánicos emisores de luz) pueden ofrecer colores más vibrantes y negros más profundos que las tecnologías de pantalla convencionales. - Biotecnología y bioingeniería
Los investigadores están explorando la posibilidad de producir nuevos colores utilizando organismos vivos, como bacterias modificadas genéticamente o plantas que han sido alteradas para producir pigmentos específicos. Estos enfoques pueden ofrecer una forma sostenible y ecológica de generar colores únicos y personalizados.
En resumen, la generación de nuevos colores es un campo en constante evolución que involucra una amplia gama de disciplinas científicas y creativas.
Con la continua innovación y exploración, es probable que sigamos viendo la introducción de nuevos colores y variaciones de colores en el futuro.
FUENTES
- The history of graphic design. Monica Galvan.
- Map by Haisam Hussein
- lberto Rama, cubocampusunrc
- UNIR | La Universidad en Internet
- Meggs’ History of Graphic Design de Philip B. Meggs y Alston W. Purvis: Un clásico, ofrece una visión completa de la historia del diseño gráfico desde sus inicios hasta la actualidad.
- Diseño gráfico. Una historia concisa de Ellen Lupton y Abbott Miller: Una versión más breve y accesible de la historia del diseño gráfico.
- La historia del diseño gráfico de Steven Heller: Un libro que se centra en los movimientos y estilos más importantes del diseño gráfico.
- Helvetica. Documental sobre la historia de la tipografía Helvetica.
- Graphic Means. Documental sobre la historia del diseño gráfico en Estados Unidos.
- Objectified. Documental sobre el diseño de objetos cotidianos.
